西方艺术的分野，侧重“素描”或“色彩”，佛罗伦萨大师的“线描”延续至新古典主义：安格尔；威尼斯大师重色彩，延续至巴洛克、德拉克洛瓦、印象主义、表现主义。
19世纪的艺术史家沃尔夫林因此用一组概念：“线描”和“图画”，以区分文艺复兴和巴洛克艺术。“线描”有引导眼睛的作用，是对客观物体轮廓和质感的限定，其重点在于：表面所围裹、揭示的整体；“图画”偏重于对象外貌（表面）的纯视觉的感受。“线描”重清晰的个体性和物质性，有如一尊雕像在不同光线下有不同的视觉变化，但雕像仍是它本身，所以其背后的价值观念与“永恒”相关，因为清晰的造型和轮廓意味着“不变”、稳定；古典雕像多是人像，似乎喻示着上帝造人的“原型”。而“图画”的是对象含糊和变动着的外观，有如我们每日变换的经验、感受，佛说“无常即苦”，但无常也意味着开放及活跃的可能性。
这也是两种思想意识的不同偏向。“线描”安定“结构”，“结构”直指“理想美”，指向柏拉图“完美”的“原型”，或基督教中的至善至美，一种有距离的、带禁欲色彩的美；色彩描绘“表面”、“平面”，是变幻即逝的印象，充满活力的感官美，肉体的气息。所以，现代艺术出现，不仅因照相机纂夺了其记录的功能，也因为宗教的凝聚力已开始失效，世俗的、视觉的感受性通过色彩，纷杂呈现。而此时的“结构”，不大跟“永恒”有什么关系，倒成了人类“理性”的承载物。
塞尚的“理性”竭力地让“结构”和“色彩”和谐，受他启发的立体主义却使“结构”从属于思维，结果成了对事物的“解构”和平面化。绘画的“平面” 化和“观念”化，在之后的艺术中占了多数席位。当代艺术讲求“思辩”，向哲学靠拢，那是连“色彩”和“平面”也要丢弃了。可以说，当代艺术最大的难题是如何定义自身，用所谓的“艺术”方法去寻找“艺术”，这就是一个怪圈，吞食自己尾巴的蛇。
19世纪的艺术史家沃尔夫林因此用一组概念：“线描”和“图画”，以区分文艺复兴和巴洛克艺术。“线描”有引导眼睛的作用，是对客观物体轮廓和质感的限定，其重点在于：表面所围裹、揭示的整体；“图画”偏重于对象外貌（表面）的纯视觉的感受。“线描”重清晰的个体性和物质性，有如一尊雕像在不同光线下有不同的视觉变化，但雕像仍是它本身，所以其背后的价值观念与“永恒”相关，因为清晰的造型和轮廓意味着“不变”、稳定；古典雕像多是人像，似乎喻示着上帝造人的“原型”。而“图画”的是对象含糊和变动着的外观，有如我们每日变换的经验、感受，佛说“无常即苦”，但无常也意味着开放及活跃的可能性。
这也是两种思想意识的不同偏向。“线描”安定“结构”，“结构”直指“理想美”，指向柏拉图“完美”的“原型”，或基督教中的至善至美，一种有距离的、带禁欲色彩的美；色彩描绘“表面”、“平面”，是变幻即逝的印象，充满活力的感官美，肉体的气息。所以，现代艺术出现，不仅因照相机纂夺了其记录的功能，也因为宗教的凝聚力已开始失效，世俗的、视觉的感受性通过色彩，纷杂呈现。而此时的“结构”，不大跟“永恒”有什么关系，倒成了人类“理性”的承载物。
塞尚的“理性”竭力地让“结构”和“色彩”和谐，受他启发的立体主义却使“结构”从属于思维，结果成了对事物的“解构”和平面化。绘画的“平面” 化和“观念”化，在之后的艺术中占了多数席位。当代艺术讲求“思辩”，向哲学靠拢，那是连“色彩”和“平面”也要丢弃了。可以说，当代艺术最大的难题是如何定义自身，用所谓的“艺术”方法去寻找“艺术”，这就是一个怪圈，吞食自己尾巴的蛇。
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