我们常常会陷入这样的感觉，觉得其实我们一直就在那里，在逝去的岁月里，在别人的故事里，在那些无可奈何的抉择里。当影片的最后，阿远蜷缩在床上无力的痛哭时，隐隐作痛的，是我们自己的心。
当火车缓缓穿过狭长的隧道，出现在黑暗尽头的是一片葱翠的山色，宁静，悠远，两个站在火车上温书的高中生，整齐的制服和稚气未脱的脸庞，告诉我们那是怎样一个青涩纯真的年代，而或许就象他们的名字一样，阿远和阿云，一个注定漂泊，一个云水无依。
那是一个离我们如此久远的年代，苍翠的远山，笼罩在云雾里的村庄，还有那些带着几分木然的人们，生活如同一桌稀稀落落的麻将，带着几分市井的琐屑，而又活色生香。高中毕业后的阿远和阿云相继离开故乡，来到台北打工，如果是在大陆的影片中，这样的情节常常会被演绎的苦大仇深，两个可怜巴巴的打工者在异乡经历种种磨难，受尽欺凌，生不如死却又求死不得，让观众哭得肝肠寸断之余感叹为什么要生下来，滥情到令人发指。而在侯孝贤的镜头下，生活则是一种小桥流水的平淡，虽然也会有苦涩和波折，但人生是一场漫长的成长，疼痛本来就和快乐一样是维系着生命滋长的一种力量。所以无论是在台北的生活，还是后来阿远的当兵的经历，甚至是阿云嫁给了那个一直在她和阿远之间送信的邮差，侯孝贤都没有去重点的突出过什么，以至于我们在看完影片之后都无法找出那一部分是高潮，可是所有的画面却组成了一段完整的记忆，一阙悲凉的情绪，深深的印入心里。我们知道，侯孝贤是在用镜头表达着他的存在观，一种漠然，洒脱的状态，生活没有大喜大悲，有的只是顺其自然。
侯孝贤在早期的几部作品里，如“风柜来的人”，“童年往事”等，都表达出一种对乡土深深的热爱，我们可以看到，在拍摄故乡里的生活时，侯孝贤的镜头语言以远景和大远景为主，镜头下的青山隐隐，浮云蔽日，如同一副清丽的水墨画，表现了乡间的那种怡然自得，与世无争，而当阿远和阿云高中毕业后来到台北打工时，镜头多以中景近景为主，用空间的狭小感，突出了城市里人与人之间那种琐碎紧张的感觉。而当阿远退伍回家后，依然是在以远景为住的叙述中表达着人与环境的关系，当阿公带着几分唠叨的在对阿远讲述自己如何种番薯的时候，伫立在身后的那片葱郁的山林突然让我们也有了一种“家”的亲切感。
敲下这些文字的时候，脑海里总是在盘旋着高晓松写过的那首同名歌曲：恋恋风尘。我不知道这首歌的灵感是否来自于这部电影，但是那悠扬伤感的旋律却总是心有灵犀的飘进到这些画面里，像是一段含义隽永的旁白：“当岁月和美丽，已成风尘中的叹息，你感伤的眼里，有就是泪滴，相信爱的年纪，没能唱给你的歌曲，让我一生中常常追忆。”青春是一首苦涩的恋歌，总在岁月和风尘中被传唱不休，在歌声里，沧海变成桑田，红颜变成白发，而侯孝贤用它舒缓空灵的长镜头，凝固了时间和人物，凝固了所有世俗的情感，如同陶渊明说的：死去何所道，托体同山阿。那些爱与恨，悲伤与喜悦，眷恋和不舍，最终都被溶化在远处的暮色苍山里，成为天空中那一抹淡淡的蓝。
其实直到最后我也并不知道为什么阿云会选择嫁给那个邮差，如同我们的青春，永远没有答案。
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